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Do 29.07.2021 Open Air Kino im Zeughaus

JAZZ ON A SUMMER’S DAY

JAZZ AN EINEM SOMMERABEND

R: Bert Stern / OmU

1958 besuchte der Fotograf Bert Stern das Newport Jazz Festival und schuf seinen einzigen Film, seinen einzigartigen Film – Obacht, Mund zu und nicht Trenzen! In 4K restauriert vom Original-Negativ (also mega-Bild zum wahnsinns-Ton).
Zwei Ereignisse treffen aufeinander: Das Jazz Festival und die Segelregatta America Cup. Die Segelboote gleiten übers Meer und abends entfalten sich die großartigen Musiker*innen. Stern fängt die ganze Szenerie ein. Chuck Berry animiert zum Tanzen und man kann sich Louis Armstrong oder Mahalia Jackson nicht entziehen, deren Performance den Abend beschließt.

Was war der erste queere Comic, den du begeistert verschlungen hast? Eine Episode aus Alison Bechdels „Dykes to Watch Out For“? Jennifer Campers „SubGURLZ“? Oder doch eher Tom of Finland? Vivian Kleimans liebevolle Hommage an die Welt gezeichneter Geschichte(n) und ihrer Macher:innen Alison Bechdel, Howard Cruse (Gay Comix,), Mary Wings (Come Out Comix), Rupert Kinnard (Brown Bomber and the Diva) und Jennifer Camper (Rude Girls and Dangerous Women) versorgt uns endlich mit einer bewegten (und wahrhaft bewegenden) Genealogie queerer Comics, die – nona – um einiges weiter in die queere Geschichte zurückreicht als du das jetzt so glauben magst. Und dann gibt es in dem Film aktuelle Proponent:innen queerer und PoC Comic-Kultur zu entdecken: WOWWWW (hier würde jetzt ein Cartoon Sinn machen unter dem Motto „schmachtende Bewunderung“).

Ein funkelndes Kino-Juwel, dessen Genre erst noch erfunden werden muss: filmisches Selbstporträt eines (historischen) Ortes, des legendären SILVER PLATTER in Los Angeles. Der queere Latinx-Club war seit 1963 für viele migrantische Communities Wohnzimmer und Bühne zugleich, bis in den 2010er Jahren junge Künstler*innen (u.a. Filmemacher*in Wu Tsang) WILDNESS veranstaltete, einen wöchentlichen Performance-/Ballroom-Event, der zu einer Explosion an Kreativität führte – und zu Konflikten mit den ‚alteingesessenen‘ Communities. Der Film dokumentiert beides und setzt so nicht nur den Kings und Queens des Dancefloors ein Denkmal, sondern auch dem Projekt WILDNESS als kollektiv organisiertem Community-Center. Selten ist es gelungen, Aktivismus und filmische Praxis so überzeugend zu vereinen!

UN HOMME ET UNE FEMME – ausgezeichnet mit zwei Oscars® und der Goldenen Palme – ist ein Kinoklassiker, der die Art, wie Liebesgeschichten erzählt wurden, revolutionierte. 53 Jahre danach erzählt Claude Lelouch die Geschichte weiter.
Siege fährt der ehemalige Rennfahrer und Womanizer Jean-Louis nur noch in seiner Erinnerung ein. Doch die geht immer mehr verloren, fürchtet sein Sohn Antoine, auch wenn es scheint, als würden sich die Gedanken des alten Herrn vor allem um eine bestimmte Frau drehen: Anne, die große Liebe seines Lebens. Um seinem Vater ein Stück Lebensqualität zurückzugeben, macht sich Antoine auf die Suche nach jener geheimnisvollen Schönheit, die Jean-Louis nicht halten konnte, die er aber nie vergessen hat. Und tatsächlich macht er Anne in einem idyllischen Dorf in der Normandie ausfindig, wo die frühere Filmproduzentin einen kleinen Laden und ein sehr erfülltes Leben führt. Sie nimmt die Einladung, Jean-Louis nach so vielen Jahren wiederzusehen, nur zögerlich an. Beim ersten Besuch erkennt er sie zunächst auch nicht wieder. Doch schnell nehmen die beiden die Fäden ihrer gemeinsamen Geschichte da auf, wo sie sie einst hatten fallen lassen. (aus: polyfilm.at)

„Amazing Grace” ist die erfolgreichste Gospel-Platte aller Zeiten: ein Doppelalbum, das die Queen of Soul Aretha Franklin 1972 in einer Kirche in Los Angeles aufnahm. Die 29-Jährige befand sich auf dem Höhepunkt ihres Ruhms, als sie ein Album aufnehmen wollte, das sie zu ihren musikalischen Wurzeln, dem Gospel zurückführen sollte. In der New Temple Missionary Baptist Kirche in Los Angeles trat Franklin an zwei Abenden, unterstützt vom lokalen Southern California Community Choir, geleitet vom legendären Reverend James Cleveland, auf. Der damals noch kaum bekannte, spätere Oscar®-Gewinner Sydney Pollack filmte das Konzert, beging aber einen schweren technischen Fehler: Bild und Ton waren nicht synchronisiert, das Material landete für Jahrzehnte im Archiv. Erst vor wenigen Jahren wurde es wieder zugänglich gemacht.
Der Film lässt bewusst Raum für das Unperfekte, das Improvisierte, für das wahre Leben, das an diesen zwei Abenden in der kleinen, erstaunlich unscheinbaren Kirche in Los Angeles tobte. Unter dem Publikum sind auch Mick Jagger und Charlie Watts zu sehen, wie sie einem ihrer großen Vorbilder lauschen. Man erlebt einen wirklich spirituellen Moment, ausgelöst durch die atemberaubende Stimme Aretha Franklins.
(aus: programmkino.de; filmstarts.de).

In einem mazedonischen Dorf ohne Straßen, Strom und fließendes Wasser lebt Hatidze Muratova, die letzte in einer langen Reihe von Wildbienenzüchterinnen, die ihren Lebensunterhalt durch das Sammeln wilden Honigs verdient, den sie in der nächsten Stadt in kleinen Portionen verkauft. Trotz minimaler Schutzausrüstung scheint Hatidze niemals gestochen zu werden. Merken die Bienen, mit wieviel Respekt sie sie behandelt? Hören sie die Lieder, die sie leise singt, während sie ihre Arbeit macht?
Hatidze lebt in den Ruinen eines Bauerndorfes, einige Stunden von der Hauptstadt Skopje entfernt. Sie ist eine Frau mit unfassbarer Lebenskraft und trockenem Humor. Sie muss nicht nur sich selbst, sondern auch ihre 85-jährige kranke Mutter mit dem Erlös versorgen, doch die beiden kommen in ihrem eingespielten Alltag gut zurecht.
Die Filmcrew rund um die RegisseurInnen Tamara Kotevska und Ljubomir Stefanov begleitete die Imkerin über drei Jahre lang mit leichter, unauffälliger Ausrüstung, ohne den türkischen Bergdialekt, der in der Gegend gesprochen wird, zu verstehen. Während dieser Zeit wird Hatidzes friedliches Dasein durch die Ankunft einer wandernden Familie mit ihren sieben wild lebenden Kindern und einer Rinderherde auf den Kopf gestellt. Voller Wärme und Humor und mit außerordentlich schönen Bildern ist der Film eine Parabel über die drohende Zerstörung der fragilen Beziehung zwischen Mensch und Natur. (nach: orf.at)

Cool sind die Filme von Wong Kar-Wai, um die Verletzlichkeit seiner Helden zu tarnen. Das Hongkong der 60er Jahre: Zwei Paare ziehen ins selbe Haus. „Seine” Frau und „ihr” Mann, die man nie sieht, beginnen eine Affäre. Aus der Leidensgemeinschaft der Betrogenen wird eine traurige Liebesgeschichte, wie man sie schöner nicht erzählen kann. Maggie Cheungs hinreißende Kleider und Begegnungen im Stiegenhaus, dazu spielt ein schwermütiger Walzer, der all jene Gefühle artikuliert, für die die Liebenden keine Worte haben. So wird das Unglück des Paares zum Glück des Zuschauers. (nach: Peter Körte)

„In diesem Film geht es um das Gegengewicht zum Kapitalismus. Es ist eine Feier des Unbenutzbaren, Unvereinbaren, des sinnlosen verschwenderischen menschlichen Seins! Es geht um die große Kraft des Nutzlosen. Es geht um Anarchie und Kunst. An­gela Christliebs neuer Film feiert die österreichische Per­for­mance-Gruppe Gelitin (Wolfgang Gantner, Ali Janka, Florian Rei­ther, Tobias Urban); sie greift dabei auf verschwenderisch schönes Archivmaterial zurück und hat daraus einen Kultfilm im besten Sinne gemacht.” (Michael Busch)

GUNDA ist Kino pur. Der Film zeigt das Leben eines Hausschweins, einer Hühnerschar und einer Rinderherde mit meisterhafter Intensität. In herausragenden Schwarz-Weiß-Bildern begegnet Regisseur Victor Kossakovsky den tierischen Bewohnern auf einem kleinen Bauernhof auf Augenhöhe und erzählt sie als Geschöpfe mit eigener Wahrnehmung, eigenem Empfinden und eigenen Gewohnheiten – eine meditative Reise in das Leben seiner Protagonisten und ihren Kosmos mit einem ganz eigenen Raum- und Zeitgefüge.
GUNDA ermöglicht uns, über das Geheimnis tierischen Bewusstseins nachzudenken und darüber, welche Rolle wir Menschen dabei spielen: ein poetisches Plädoyer für das Recht auf Leben der Lebewesen, die wir sonst nur als „Nutztiere“ wahrnehmen. Der richtige Film zur richtigen Zeit.

Ernst Lubitsch gelang diese Politsatire, die ihresgleichen sucht. Die von antifaschistischer Überzeugung getragene Kombination aus schwarzem Humor, Screwball-Komödie, Romantik und zeitgeschichtlicher Spionage-Action ist unvergleichlich lustig und spannend.
Die Verwicklungen um eine polnische Schauspieltruppe, die im Angesicht des Krieges ein antifaschistisches Stück probt und in die teuflischen Strudel von Spionage und Gegenspionage gerät, sind auf die unverwechselbare Art von Ernst Lubitsch dargestellt, die mit ihrem Tempo und ihren spöttischen Andeutungen heute noch unvermindert begeistert.

„It’sa wonderful, it’sa wonderful...“
Avvocato und Musiker, intelligenter Charmeur der internationalen Bühnen. Er wickelt seit Jahrzehnten Publikum auf der ganzen Welt um den klavierspielenden Finger. Mit der sexy-rauen Stimme und den Melodien, die ihn absolut einzigartig und immer erkennbar machen, ob er Kamm bläst oder scattet. Paolo Conte ist einfach umwerfend. Und seine Musik sowieso, das meinen auch Roberto Benigni, Jane Birkin und Isabella Rossellini und viele andere, die in diesem Film voll Swing zu Wort kommen.
Regisseur Giorgio Verdelli schuf aus Interviews mit Conte und seinen Weggefährten und Archivaufnahmen und Live-Mitschnitten diverser Konzerte der letzten dreißig Jahre ein hinreißendes Porträt des vielseitigen und einflussreichen Musikers.

Als die Pilates-Trainerin Kathrin ihrem Mann Arnold eines Abends eröffnet, sie brauche eine neue Niere und dass er der ideale Spender wäre, ist der Architekt damit komplett überfordert, er zögert. Für Kathrin der Beweis, dass Arnold sie nicht (mehr) aufrichtig liebt. Eigentlich gibt es ja Grund zu feiern, sein Hochhaus-Projekt in Paris wurde bewilligt. Der gemeinsame Freund Götz stellt sich hingegen ohne zu Zögern als Spender zur Verfügung. Das wiederum missfällt seiner Frau Diana...
Nach DIE WUNDERÜBUNG beweist Michael Kreihsl erneut sein Gespür für die Leinwand-Adaption eines Bühnenhits.

Basierend auf Christine Leunens Roman „Caging Skies” steht im Mit­telpunkt dieser satirischen Tragikomödie der 10-jährige Junge Johan­nes Betzler (Roman Griffin Davis), der von seiner Umwelt jedoch nur „Jojo“ genannt wird und gemeinsam mit seiner sorgsamen Mutter Ro­sie (Scarlett Johansson) während des Zweiten Weltkriegs aufwächst. Im Gegensatz zu seiner Mutter ist Jojo jedoch ein absolut über­zeugter Nationalsozialist und hofft sogar, eines Tages Teil der Partei sein zu dürfen. Bevor dieser „Traum” in Erfüllung gehen kann, bekommt der Junge vorerst in seiner Fantasie von seinem imaginären besten Freund Adolf Hitler stets den nötigen Rat erteilt. Die fragwürdige Weltanschauung des Kindes wird jedoch auf die Probe gestellt, als Jojo eines Tages entdeckt, dass seine Mutter die jüdische Teen­age­rin Elsa Korr (Thomasin McKenzie) im eigenen Hause untergebracht hat, um ihr Schutz vor den Gräueltaten des Nazi-Regimes zu gewähren. (…) Taika Waititis JOJO RABBIT wird allein schon wegen der schwe­­ren Grundthematik polarisieren. Wer jedoch in die überdrehte Welt, die hier aus realen Geschehnissen heraus kreiert wird, eintauchen kann, darf sich auf eine wundervoll schrullige Kriegssatire freuen, die später ebenso effektiv ins Drama kippt, das seine Thematik trotz der Mainstream-Tauglichkeit völlig ernst nimmt.
Perfekt besetzte Nebenrollen und eine klug zugespitzte Dramaturgie zeugen davon, dass die Nazivergangenheit zumindest in der größten Unterhaltungsindustrie der Welt nicht mehr bewältigt werden muss, sondern zum Orientierungspunkt in einem sehr grundsätzlichen humanistischen Schema geworden ist: Schlecht ist, was einem kleinen Jungen die Sicht verstellt. (nach: uncut.at; faz.net)

Hongkong, eine Stadt zwischen unentwegtem Aufstieg und Fin de siècle, eingefangen in einem Gangsterdrama und einem Alltagsmärchen: Im Sha Tsui-Viertel herrscht rege Betriebsamkeit, Menschen strömen unaufhörlich durch die engen Korridore des Chungking Komplexes. Ein junger Kriminalpolizist mit der Dienstnummer 233 begegnet einer geheimnisvollen Frau mit blonder Perücke. „In 57 Stunden werde ich mich in diese Frau verlieben”, sagt Nr. 223. Die zweite Geschichte erzählt von Faye, die an einem Stand Fast-Food ausgibt und das Leben von Polizist Nr. 633 in die Hand genommen hat, was dieser aber nicht recht bemerkt.
„CHUNGKING EXPRESS ist ein Film wie ein Musikstück, ein irrer Trip ins ‚Heartbreak Hotel’. Angeregt ist der Film von amerikanischen B-Filmen der 50er und von der Nouvelle Vague der frühen 60er, von John Cassavetes, Jaques Demy und Tennessee Williams. In seiner Struktur erinnert er an Filme wie Tarantino‘s PULP FICTION oder SMOKE von Wayne Wang und Paul Auster. Ein Film, so schön und so labyrinthartig wie das Innere einer Music Box.” (Moviemento 5/96)

Um aus den Schulden herauszukommen und womöglich endlich den jahrelang gehegten Traum vom Eigenheim für die Familie zu erfüllen, heuert Ricky (Kris Hitchen) als Paketauslieferer an. Seine Frau Abbie (Debbie Honeywood) arbeitet als mobile Altenpflegerin, auch bei ihr sind Arbeitstage von weit mehr als acht Stunden die Regel. Das angesichts heranwachsender Kinder eigentlich dringend nötige Familienleben kommt dabei deutlich zu kurz, auch finanziell reicht die gnadenlose Knochenarbeit mit den Fallstricken der Scheinselbstständigkeit bei weitem nicht aus. (cineman.ch)
Mit größter Genauigkeit beschreibt Loach die Strukturen der modernen Gig Economy, bei der ArbeitnehmerInnen die Vorzüge der Selbstständigkeit vorgegaukelt werden, die jedoch in Wirklichkeit zu einer Reduzierung von Sozialstandards und Arbeiterrechten führt. Im neoliberalen Streben nach ständiger Optimierung und Einsparung, werden alle Mittel angewandt, um ArbeitnehmerInnen zu benachteiligen. Dass das nicht ewig so weitergehen kann und den Einsparmöglichkeiten Grenzen gesetzt sind, wird immer deutlicher.
Schauplatz von SORRY WE MISSED YOU mag dabei zwar England sein, doch die Strukturen, die Loach ebenso schonungslos wie brillant aufzeigt, kann man in ganz Europa finden, in allen Ländern, in denen Sozialsysteme zunehmend schwächer werden, Profitdenken längst alles überstrahlender Raison d’être geworden ist. (nach: programmkino.de)
Ken Loach: „Es ist gut, dass der Film wütend macht, denn es ist unfair. Die Art, wie sich die Arbeitswelt verändert hat, ist unfair. Früher hatte man einen Job, bei dem man sicher wusste, der hält und man kann vom Einkommen die Familie durchbringen. Heute ist das Arbeitsleben eine Katastrophe.”
„Es entsteht so ein Sozialdrama, bei dem man bis zum Ende den Atem anhält und danach beschließt, bei Amazon so schnell nichts mehr zu bestellen.” (kino-zeit.de)

Hulot soll ein von ihm entworfenes und mit allen Schikanen ausgerüstetes Cam­pingauto von Paris nach Amsterdam bringen, wo es in einem Automobilsalon ausgestellt werden soll. Er tritt die Reise zur Messe gemeinsam mit dem gemütlichen Lastwagenfahrer Marcel und der übereifrigen PR-Frau Maria an. Auf der Fahrt kommt es allerdings zu unzähligen Widrigkeiten.
„Tatis satirische Komödie über den seltsamen Ge­­brauch, den Menschen vom Auto machen, unterhält mit zahlreichen köstlichen Gags und liebenswürdigem Humor. Der Film überzeugt vor allem durch seine poetische Klarheit und Reinheit, die alles ausstrahlt, was Tati am Herzen liegt: die feinsinnige Mahnung, sich nicht manipulieren zu lassen von der Hektik und der Überbewertung der technischen Konsumjagd.“
(Lexikon des Internationalen Films)

Die französisch-arabische Gerichtsdolmetscherin Patience Portefeux hat sich auf das Abhören von Telefongesprächen für die Drogenfahndung spezialisiert. Als sie in Geldnot gerät, wechselt sie die Fronten – sie nützt ihre Tätigkeit aus, um selbst ins Drogengeschäft einzusteigen. „Madame Hasch” ist der Polizei immer einen Schritt voraus, bis ausgerechnet ihr Verehrer und Vorgesetzter sich auf ihre Spuren heftet.
Die beschwingte Verwechslungskomödie setzt auf den Kontrast einer Amateurin inmitten überrumpelter Berufsverbrecher.

Die kurzweilige Geschichte einer Frau, die für einen Freund einen „Beziehungsroboter” drei Wochen lang „testet”. Manch lustige Begebenheit folgt, wie kann Mensch und vermenschlichte Maschine miteinander sein? Oder nebeneinander? Ist es ratsam für den vereinsamenden Menschen unserer Zeit, sich einen maschinellen Hausmenschen zu halten? Verlernt man mit echten Menschen – mit Widersprüchen und Gefühlen – echte Beziehungen einzugehen? Oder ist es nicht vielmehr sehr praktisch? Was ist das für ein Leben für die annähernd menschliche Maschine mit ihren „Gefühlen”?

1996 versammelte Ry Cooder einige kubanische „Soneros” um sich und seine Gitarre. Gemeinsam nahmen sie ein Album auf, das den kubanischen Sound der 40er und 50er eingängig für die sogenannten westlichen Ohren wiederaufleben ließ.
Ein paar Jahre später drehte Wim Wenders aus einer Kubareise, mehreren Konzertmitschnitten und mit den nicht mehr ganz jungen Stars als Aliens in New York diesen Film. Und schuf damit ein Zeitdokument der zur Legende gewordenen Platte – die wohl für die meisten von uns lebensfroher Teil des Soundtracks der späten 90er geworden ist! (sk)

„Johanna Dohnal war eine lesbisch-feministische Superheldin.” (Katja Wiederspahn) Die Dohnal war nicht nur eine Politikerin, die die gesetzlichen und sozialen Rahmenbedingungen für Frauen grundlegend verbessert hat, sie war Feministin und Visionärin. Trotzdem weiß man erstaunlich wenig über das politische Wirken der ehemaligen Staatssekretärin für Frauenfragen und Bundes­ministerin für Frauenangelegenheiten, das ändert Sabine Derflinger mit diesem Film!

Ohne Aufregung erzählt Chloé Zhao in ihrem Film über Menschen. Frauen und Männer, die ihren eigenen Weg gehen, in Gemeinschaften zusammen finden, sich wieder trennen und weiter ziehen.
Wirklich aufregen könnte man sich über die Umstände, die die Menschen in diese Lage bringen. Alles verloren. Kein Dach über dem Kopf. Keine Arbeit. Keine Krankenversicherung. Menschen, die nicht, wie so gerne behauptet, zu faul, zu langsam, zu arbeitsscheu, zu unflexibel... und weiteres blabla sind. Bis man sie in Chloé Zhaos Film trifft und merkt – auch dieser Way of Life hat schöne Seiten. Wie jedes Leben. Bravo!

Der schöne Mads Mikkelsen spielt in diesem unaufgeregten und doch anrührenden Film einen nicht mehr ganz frischen Lehrer, der stehengeblieben ist – im Job, in seiner Ehe. Alles ist nicht mehr so interessant, Veränderung gibt es kaum, geschweige denn Abenteuer. Mit drei Freunden kommt ihm ein Experiment in den Sinn: was wenn man immer schaut, dass man ein kleines bisschen Alkohol im Blut hat, grad so viel, dass man immer „angeheitert” ist? Wird das Leben dann lustiger oder kann der Mensch dauernde Heiterkeit gar nicht vertragen? Dieser Frage auf den Grund zu gehen ist ein risikoreiches Wagnis. (th)

Bisher waren alle Bewohner:innen im idyllischen, französischen Dorf Saint Sévère sehr zufrieden mit der Arbeit des gutmütigen und hilfsbereiten Briefträgers François. Doch dann wird am alljährlichen Schützenfest ein Film über die modernen Formen der Post­­zu­stel­lung in Amerika gezeigt und die Büger:innen der Stadt be­­ginnen, sich über die altmodische und langsame Arbeitsweise von François lustig zu machen. Das lässt dieser nicht auf sich sitzen und angespornt durch den Willen, es nun allen zu beweisen, beginnt er im Affenzahn mit dem Fahrrad die Post auszutragen – und dabei ziemliches Chaos zu stiften.

Die ungleiche Verteilung von Macht und Geld ist ein bestimmendes Thema in Todd Phillips JOKER. Gleichzeitig ist der Film die traurig-düstere Charakterstudie eines Loners, der sich angesichts der Niedertracht und des eklatanten Wohlstandsgefälles in Gotham City in einen Horrorclown verwandelt. „Liegt es an mir, oder geht es da draußen immer verrückter zu”, fragt er seine Therapeutin. Schwer zu sagen.
Anfang der 1980er schlägt sich der psychisch labile Arthur Fleck als Clowndarsteller in der heruntergekommenen Gotham City durch, die an Scorseses New York aus TAXI DRIVER erinnert. In den Straßen stapelt sich der Müll, die Gewalt ist eskaliert und die Bevölkerung geht gegen die Politik und die Reichen, in Person des Bürgermeisterkandidaten Thomas Wayne, auf die Barrikaden. Während sich Arthurs Zustand verschlechtert – er halluziniert einen Auftritt bei seinem Lieblingsshowmaster Murray Franklin – kollabiert langsam die öffentliche Ordnung.
Regisseur Phillips malt sich den langsamen Verfall seines Helden mit Bezügen auf die New-York-Filme Martin Scorseses aus den 70er-Jahren aus. Robert De Niro verweist als zynischer Host einer Talkshow auf seine Figur aus THE KING OF COMEDY, während ein bravouröser Joaquin Phoenix in die Rolle des Clowns schlüpft, dessen Komik das Tragische seiner Existenz nicht überdecken kann. Sein schrilles Lachen wird zum Ausdruck einer zwanghaften Verhaltensstörung. Und einer tief zerrütteten Seele.
JOKER tauscht die effektlastigen Schauwerte des klassischen Superheldenkinos gegen einen dreckigen, fast haptischen Realismus ein, der sichtlich vom Kino des New Hollywood inspiriert ist. Phoenix spielt wie immer phänomenal, sein Joker ist – im Gegensatz zu den Vorgängern – nie over the top, sondern immer schon jenseits von Gut und Böse. JOKER wirkt wie arretiert in einem fragilen Bewusstseinszustand, der jederzeit abrupt von einer Musicaleinlage in Gewalt umschlagen kann. Fast als eine Zumutung erscheint es nach diesem Film, dass man sich beim Zuschauen bisher stets mit der anderen Seite identifizieren musste. JOKER gibt dem Filmcomic endlich ein Stück schwarze Poesie zurück. (aus: tagespiegel.de; derstandard.at)

Trompeter, Bandleader, Innovator. Elegant, intellektuell, genial und immer wieder auch kontrovers. Ein Mann, der für einen Sound steht, so wundervoll, dass er einem das Herz brechen kann. MILES DAVIS: BIRTH OF THE COOL erzählt von Leben und Karriere eines musikalischen Ausnahmetalents und einer kulturellen Ikone. Ein wahrer Visionär, der in kein Schema passt und dabei eines absolut verkörpert: Coolness.
Stanley Nelson, einer der führenden Chronisten afro-amerikanischer Geschichte, schuf mit MILES DAVIS: BIRTH OF THE COOL eine Dokumentation, die die ZuschauerInnen hautnah am Sound und an der Persönlichkeit eines der einflussreichsten Jazzmusiker des 20. Jahrhunderts teilhaben lässt – dank bisher unveröffentlichter Archivaufnahmen, Studio Outtakes und seltenen Fotomaterials. (aus: polyfilm.at)
„Im Mittelpunkt steht aber das Leitmotiv seines Lebens: der unbedingte Wille, Grenzen zu überschreiten und sich jenseits bestehender Normen immer wieder neu zu definieren.” (doku-arts.de)

Tina Turner – diese Frau ist eine Naturgewalt! Ihr Aussehen, ihr sexy Glitzer-Styling (die Haare!), ihr Überlebenswille, ihre unbändige Kraft! Dazu ihre einzigartige Stimme, man mag von den Hits der 80er Jahre halten was man will, sie ist einfach umwerfend. Ihre Geschichte mit Ike Turner, narzisstischer Psychopath und Ehemann, ebenso begnadeter Musiker wie frauenschlagender Hundling, ist herzzerreißend aber leider auch eine fast alltägliche Frauen-Geschichte. Wie sie aber nach der Scheidung eine beispiellose Karriere zum Obermega-Weltstar hinlegt, das ist außergewöhnlich – das ist TINA. (th)

Die schwarze Anwältin Queen lässt sich auf ein Tinder-Date mit dem ebenfalls schwarzen Verkäufer Slim ein – sie will sich ablenken, nachdem einer ihrer Klienten nur wenige Stunden zuvor zum Tode verurteilt wurde. Auf dem Heimweg setzt ein kleiner, unbedachter Schlenker mit dem Auto Ereignisse in Gang, die einem weißen Europäer unglaublich erscheinen, für einen schwarzen Amerikaner jedoch allzu real sind. Die beiden werden von einem rassistisch auftretenden Streifenpolizisten angehalten. Während Slim sich, wohl aus Erfahrung, unterwürfig gibt, besteht die Anwältin auf ihre Rechte. Die Situation eskaliert. Das Paar, das sich erst seit wenigen Stunden kennt, tritt nun die Flucht vom Tatort an.
Auf ihrer Flucht realisieren sie, dass sie längst zu einem Symbol des schwarzen Widerstands gegen allzu alltägliche Polizeigewalt geworden sind, und dass ihre Tat als Aufruf zur Revolution betrachtet wird. Viele Menschen helfen ihnen auf dem Weg, Schwarze, aber auch Weiße. Polizisten jagen sie, weiße, aber auch manche schwarze, die Interesse an der hohen Belohnung haben, am Ende steht der unweigerliche Tod.
Melina Matsoukas zählt bereits zu den bedeutendsten Musikvideo-Regisseurinnen der Welt, ihr Spielfilmdebüt ist hervorragend inszeniert und gespielt und scheut sich nicht, schonungslos von den gesellschaftlichen Verhältnissen in den USA der Gegenwart zu erzählen.
(aus: filmstarts.de; programmkino.de)

Ein Film als Tagebuch einer Irrfahrt, so hat Wong Kar-Wai 2046, die Suche des von Tony Leung verkörperten Chow nach seiner verlorenen großen Liebe, beschrieben. Ein moderner Odysseus, zuhause nicht auf einem Schiff, sondern im Hotel, Gefangener seiner Gefühle und seiner Fantasie, wohnt Chow im Nachbarraum jenes Zimmers 2046, das ihn an sein vergangenes Glück mit Su Li-zhen gemahnt, schreibt an einem Roman, der ebenfalls 2046 heißt und lässt, auf der Suche nach der einen, alle seine Liebesaffären Revue passieren. Die engen Zimmer und Gänge des Hotel Oriental werden zu enigmatisch verschlungenen Wegen der Erinnerung, aber auch zu Liebesglück versprechenden, erotischen Orten, die der Regisseur wie ein sinnliches Gemälde komponiert. Räume und Dekor, Übergänge und Überblendungen sowie Farbschattierungen und Musik schaffen eine Atmosphäre, die diese Fortschreibung von IN THE MOOD FOR LOVE zu mehr als nur einem wunderbar ausgeleuchteten Tableau macht.

40 Jahre ist es her, dass die Tiroler Volksschauspiele mit dem Einakter-Zyklus DIE SIEBEN TODSÜNDEN des Tiroler Dramatikers Franz Kranewitter in der Haller Burg Hasegg zum ersten Mal über die Bühne gingen. 37 Sommer hat der Verein seither die Volksschauspiele in Telfs ausgerichtet.
Zum Anlass dieses Jubiläums geben ein Rückblick und eine kleine sentimental journey die Möglichkeit, zwei Einakter auf der großen Kinoleinwand wiederzusehen oder erstmals einen Blick auf diesen Teil der Tiroler Kulturgeschichte zu werfen. Dieses legendäre Theaterereignis wurde seinerzeit vom ORF aufgezeichnet.
Vorab spricht Martin Sailer (ORF) mit Felix Mitterer, Markus Völlenklee, Helmut Krieghofer und einem weiteren Überraschungsgast über den Anfang und die weiteren Jahre in Telfs. Fotos zeigen einige der Theaterhighlights der letzten 40 Jahre.

Hall 1981; Originalfassung 121 min

DER GIGGL (Der Hochmut)
Regie: Ruth Drexel; Mit: Hans Brenner, Julia Gschnitzer, Markus Völlenklee, Rudolf Hießl, Herbert Rhom, Barbara Weber

DIE EAV (Die Wollust)
Regie: Alf Brustellin; Mit: Walther Reyer, Hans Brenner, Krista Posch, Gundi Ellert, Doris Goldner, Felix Mitterer, Klaus Rohrmoser;
Moritaten von und mit Felix Mitterer – Musik Bert Breit – Geiger Peter Lefor

Schnitt und Technik: Klaus Rohrmoser und Omar Borubaev

im Rahmen der Ausstellung GEHEN - FAHREN - REISEN im Zeughaus

Fr 27.08.2021 Open Air Kino im Zeughaus

THE GENERAL

DER GENERAL

R: Buster Keaton

Der Lokführer Johnny Gray kennt nur zwei Lieben: seine Lok „The General” und Annabelle Lee, die Tochter einer gutsituierten Südstaatlerfamilie. Und wenn man sieht, mit welcher Zärtlichkeit die Kamera die Maschine abfährt, wird deutlich, daß eine Liebe der anderen um nichts nachsteht. Als der Bürgerkrieg ausbricht und eine Gruppe von Nordstaatlern die Lok entführt, setzt Johnny alles daran, sie wieder zu bekommen. Johnny schnappt sich die „Texas” und verfolgt die Entführer seines „Generals”. Einmal Jäger, dann wieder Gejagter, die rasende Fahrt dampfender und zischender Lokomotiven kulminiert vor einer hohen Brücke, als der befehlshabende Offizier der Nordstaatler seinen mit schwerem Kriegsmaterial bestückten Zug über die Brücke befielt. Ein kurzes Innehalten, ob die Brücke der Belastung standhält, und dann die Worte voll grotesker Eitelkeit: „Wenn ich sage, die Brücke hält, dann hält sie.” (nach: Hanser, Reihe Film 3)

Familie Kim lebt in ärmlichen Verhältnissen ganz unten auf der sozialen Leiter. Im wahrsten Sinne des Wortes: im Keller. Die Eltern Ki-taek und Chung-sook sind arbeitslos, die fast erwachsenen Kinder, der Sohn Ki-woo und die Tochter Ki-jung unterstützen die Familie mit Gelegenheitsjobs. Das Glück wendet sich, als ein Freund Ki-woo eine Tutorenstelle am anderen Ende der Stadt, am anderen Ende der sozialen Leiter vermittelt. Im mondänen, modernistischen Haus der Familie Park soll er der Tochter Englischstunden geben. Es ist der Beginn einer parasitären Beziehung der beiden Familien, denn bald arbeiten alle Kims für die Parks: Die Tochter kümmert sich um den Sohn, der Vater wird Chauffeur, die Mutter schließlich Haushälterin.
Was bei anderen Regisseuren Stoff genug für einen Film wäre, erzählt Bong Joon-ho in einem langen ersten Akt – und zwar als messerscharfe, genau beobachtete Satire. Das gilt für das Finale des Films nicht weniger. Die visuellen Metaphern des Oben und Unten kombiniert der Film brillant mit einer Kameraarbeit der saubersten Art. Ganz ruhig, korrekt kadriert und schon fast spöttelnd, lauert sie stets an der richtigen Stelle, um dem Geschehen beizuwohnen, ganz wie ein Mitwisser und Zeuge, der ebenfalls auf Rache sinnt, aber stets emotional kontrolliert bleibt. (nach: programmkino.de; kino-zeit.de)
„In PARASITE geht es um Arm und Reich, es gibt Thriller- und Horrorelemente und Regisseur Bong Joon-ho ist wieder ein spannender, komischer und intelligenter Film gelungen, der auch visuell virtuos gemacht ist. Was bleibt, sind viele verstörend schöne Bilder und der Eindruck eines teils absurd anmutenden, bei näherer Betrachtung aber gleichsam alltäglichen Humors. Ein Humor allerdings, der nicht bemäntelt und beschönigt, sondern Lebensverhältnisse anschaulich bloßlegt.” (Jens Nicklas, 20er)

Basil hat auf Kreta ein Stück Land mit einem verlassenen Braunkohlebergwerk geerbt, mit dem er nun sein Glück versuchen will. Bei der Anreise trifft er auf Zorba, der ihm seine Hilfe anbietet. Doch das Bergwerk ist nicht mehr abbaufähig. Aber statt darüber zu trauern, lehrt Zorba Basil „seinen” Tanz, den Sirtaki.
Auch heute noch atmet die vom Klang der Buzuki geprägte Musik von Mikis Theodorakis die Frische der Authentizität.

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