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Fr 30.07.1999 Open Air Kino im Zeughaus

CITY LIGHTS

LICHTER DER GROSSSTADT

R: Charles Chaplin / DF

Der Film entstand bereits in der Tonfilmzeit. Chaplin entschied sich jedoch, auf Dialoge zu verzichten und verwendete nur Musik und natürliche Geräusche. Die Geschichte eines Landsstreichers, der mit Hilfe einiger Zufälle einem blinden Mädchen wieder ihr Augenlicht verschaffen kann, wird Chaplins erfolgreichster und populärster Film.

Ein furios geschnittener Großstadtfilm, der mehrere Erzählebenen kühn verschachtelt. LOLA RENNT ist nicht nur Thriller, Liebesdrama, romantisches Märchen und Comicstrip, sondern auch ein Diskurs über die Macht des Zufalls. Tykwer nähert sich den verschiedenen Elementen filmischer Wirklichkeit mit der Radikalität eines Experimentalfilms und nützt alles, was das Medium Film heutzutage zu bieten hat.

‚Now on its 70th anniversary, High Noon stands out as the proto anti-western, questioning the conventions of a genre long before doing so was in vogue.‘ (Scott Tobias, The Guardian)
Western vs. Anti-Western / Gewalt vs. Gewaltlosigkeit / Eigeninteresse vs. Bürgerpflicht /
In Hadleyville will Marshal Will Kane nach seiner Heirat mit der Quäkerin Amy sein Amt aufgeben, als bekannt wird, dass der Mörder Frank Miller aus dem Gefängnis entlassen wurde. Er ist auf dem Weg zurück, um sich an Kane zu rächen, der ihn einst ins Gefängnis brachte.
Frank soll um 12h mittags an der Bahnstation ankommen, wo seine Freunde schon warten. Ein Rennen gegen die ständig präsente Uhr: 10:40 bis 12h mittags – das Warten und die verzweifelten Bemühungen Kanes, genügend Männer für das Showdown mit Miller zusammenzubringen.
Im Hintergrund die politischen und moralischen Fragen nach Loyalität, Egoismus und Systemtreue, die sich nicht nur zur McCarthy-Zeit der 50er Jahre stellten, sondern gerade auch heute wieder stellen.

Der Traum vom eigenen Heim hat bei Herbert Krcal und seiner Margit die Adresse Hinterholz 8. Dort wird bekanntlich gebaut. - Und Düringer baut weiter, denn der Film ist nach Düringers Ansicht erst fertig, wenn ihn a_l_l_e ÖsterreicherInnen gesehen haben.

Stan & Ollie haben einen millionenschweren Auftrag zu erfüllen: Die Tochter eines Goldminenbesitzers gilt es zu finden und ihr nach dem Tod ihres Vaters, eine große Erbschaft zu übergeben. Eine erstklassige Western-Satire und der einzige Film, in dem man Laurel & Hardy auch singen hört und sieht!
Empfohlen für die ganze Familie ab sechs Jahren.

Ein heißer Sommer, eine einsame Insel vor der Küste Maines und eine Leiche, die nicht und nicht verschwinden will. Ein Geheimtip für alle, die sich genüßlich vorführen lassen wollen, wie ein harmloser Urlaubstag zunehmend an abstruser Dramatik gewinnt.

Stéphan, ein junger Franzose, durchwandert mitten im Winter die rumänische Steppe. Er sucht eine Sängerin namens Nora Luca. Gesehen hat er sie noch nie, nur ihr Lied gehört – immer und immer wieder. Tony Gatlif hat mit GADJO DILO eine vor 15 Jahren begonnene Zigeuner-Trilogie vollendet. Ganz unverschnörkelt und direkt erzählt er seine Geschichte und erschließt den ZuschauerInnen die lebenslustige, farbenfrohe und chaotische Welt der Roma.

Karl Koch, hochbegabtes Computer-Talent, überträgt die Verschwörungstheorie aus R. A. Wilsons Roman-Trilogie „Illuminatus!”, in dem die Zahl 23 eine wesentliche Rolle spielt, auf seinen Alltag und wandelt sich unter dessen Einfluß vom selbstverantwortlichen Subjekt zum fremdbestimmten Objekt. Als er das Maß seiner Abhängigkeiten erkennt, zieht er die Notbremse, ohne aus dem existentiellen Zirkel ausbrechen zu können. (nach: filmdienst; zoom 2/99; moviemento 122/99)
„23 ist ein wunderbar menschlicher Film, der im Grunde von uns allen handelt. Von echten Menschen, die nicht eindimensional funktionieren, sondern vielschichtig und oft unberechenbar. Und davon, daß die Zeit für Idealismus vorbei sein wird, wenn wir nicht aufpassen.” (Frauke Hanck)

Reden ist Sex. Und Reden über Sex ist sexy und vor allem unproblematischer als gelebter Sex. So soll’s bleiben: eine platonische Beziehung zwischen den beiden Singles Harry und Sally. Sie baden in ihren Gefühlen und therapieren sich dabei aus, bis Platon sich aus der Affaire schwindelt.

Political incorrect, rabenschwarzer Humor, verdammt witzig - so macht Gesellschaftskritik Spaß. Dedee, ein Miststück besonderen Ausmaßes, ein unwiderstehliches Biest. Mehr von dieser Sorte Frauen auf der Leinwand, verlangt "Marie Claire".

„Sex endet immer in Kindern, Krankheiten ... oder Beziehungen. Und genau darauf hab´ ich keinen Bock ...” (Dedee)
Für die 16jährige Dedee, einer skrupellosen Göre mit frecher Schnauze, steht fest, daß Sex diese Konsequenzen nach sich zieht, und genau deshalb möchte sie das Gegenteil davon, nämlich sich unabhängig machen von Werten, die von der biederen Gesellschaft hochgehalten werden. Nach der Beerdigung ihres verhaßten Stiefvaters zieht sie zu ihrem schwulen Halbbruder Bill. Dieser, ein beliebter High-School-Lehrer und der Inbegriff an Ruhe und Gelassenheit, hat keine Ahnung, auf was er sich einläßt. Geschickt wickelt Dedee die Männerwelt um den Finger, sie verführt Bills Partner Matt, plündert die Kasse, klaut die Urne mit den sterblichen Überresten von Bills großer Liebe und haut ab. Wie ein Hurrikan hinterläßt Dedee Verwüstungen; wo sie drüberfegt, bleibt nichts, wie es war. Auch die Beschaulichkeit von Bills gutbürgerlicher, angepaßter, korrekter Außenseiter-Existenz nicht, deren Fragilität im Auge des Hurrikans erst recht durchsichtig wird.
Das Gegenteil von Sex ist nicht etwa kein Sex: THE OPPOSITE OF SEX, eine smarte Independent-Produktion aus den USA, ist voll vom Gegenteil des Gegenteils, das der Titel behauptet – beziehungsweise voll von den Zensur-Kriterien ‚strong language and sex-related dialogue’, die dem Regiedebut von Don Roos in seiner Heimat ein sogenanntes R-Rating (für beschränkten Zutritt) eingebracht haben.
Christina Riccis Darstellerleistung ist nur ein Grund, warum THE OPPOSITE OF SEX so erfolgreich ist. Der Film – „wohl der wagemutigste des Jahres” (James Berardinelli) – ist eine bissige Satire auf die Ignoranz der AmerikanerInnen und ihre Angst vor Sex. Don Roos ironisiert die Konventionen des Roadmovies und der üblichen Kaputte-Familien-Filme. Er schafft Charaktere, die zu ausgefallen sind, um problemlos durch die engen Maschen industriell generierter Stories zu passen, die aber auch jenes Muster der Außenseiter-Selbstgefälligkeit durchbrechen, die oft das Markenzeichen von Off-Hollywood-Produktionen ist. Bei ihm kommt keine Fraktion ungeschoren davon, ob hetero oder schwul, puritanisch oder sexlustig, Außenseiter oder angepaßt.
Ungewöhnlich auch die Rolle der Voice-over-Erzählung: Lästermaul Dedee spricht zum Publikum und läßt es sich nicht nehmen, einige Scherze auf Kosten der ZuschauerInnen zu machen. (nach: NZZ 8.1.99; Viennalekatalog 98; Presseheft)
„Eine explosive Mischung aus zynischer Ironie und wuchernden Vorurteilen, gespickt mit politischen Unkorrektheiten und kaltschnäuziger Gesellschaftskritik.” (Basler Zeitung)

In Helden ist die Zeit stehngeblieben: In Helden ist die Welt noch in Ordnung. In Helden geschehen noch Wunder. Doch das kleine Dorf Helden in Tirol soll vom Bürgermeister an den Massentourismus verschachert werden. Niki Lists Musical-Komödie aus dem Tirolerland mit Andreas Vitasek, Elke Winkens u.v.a.

Harvey Keitel betreibt einen Tabakladen in Brooklyn, Ecke 3rd Street/7th Avenue. Im blauen Smoke-Dunst des Ladens laufen die Fäden zahlreicher Storys zusammen. Eine Liebeserklärung an Brooklyn, die uns näher an New York bringt als den eigenen Stadtteil.

„Central do Brasil“ ist der Hauptbahnhof von Rio de Janeiro. Tausende von Menschen strömen täglich durch seine Halle und einige verdienen dort ihr Geld. Eine von ihnen ist Dora. Sie schreibt Briefe für Analphabeten. Menschen diktieren der Frau ihre Geheimnisse und Empfindungen, aber Dora, die um sich eine Mauer der Gleichgültigkeit aufgebaut hat, beeinflusst das Schicksal anderer, indem sie über die Briefe urteilt und fast keinen abschickt. In der langen Schlange ihrer Kunden steht eines Tages Ana mit ihrem Sohn Josué. Als Ana kurz darauf tödlich verunglückt, ist Josué völlig auf sich alleine gestellt. Von da an weicht Doras Distanz kleinen, zunächst fast unsichtbaren Gesten der Zuneigung, bis sie sich schließlich gemeinsam auf eine Reise quer durch Brasilien begeben – Josué auf der Suche nach seinem Vater und Dora auf der Suche nach sich selbst.
Durch die zeitweilige dokumentarfilmartige Kameraführung erscheint der vielfach ausgezeichnete Film sehr realitätsnah. Fernanda Montenegro (Dora) und Marilia Pêra (Irene) sind zudem die einzigen professionellen Schauspieler, alle anderen standen zum ersten Mal vor der Kamera. Vinicius de Oliveira (Josué) entdeckte der Regisseur Salles zufällig am Flughafen von Rio de Janeiro, als Vinicius ihn um Geld für ein Sandwich anbettelte.

Stellvertretend für das große Welttheater steht in LA VOCE DELLA LUNA eine kleine Stadt in der Region Emilia, wo Fellini seine skurrilen Figuren versammelt. Unter ihnen der naive, stets staunende Salvini, der die Stimmen des Mondes und tiefer Brunnen hört und nachts belebte Friedhöfe besucht; ein Narr und Clown wie sein Pendant, der abgeklärte Misanthrop Gonella, der – von Verfolgungswahn besessen – einer Verschwörung gegen die Menschheit auf der Spur ist, deren Zentrum er in einer Großraumdiskothek vermutet.
Um diese beiden Figuren gruppiert Fellini seinen filmischen Kosmos, der an faszinierenden Tableaux so reich ist wie an Themen und sich – der Logik des Traums gleich – um dramaturgische Wahrscheinlichkeit nicht kümmert, unterschiedliche Zeit- und Handlungsebenen an- und gegeneinandersetzt. (Jury der evangelischen Filmarbeit, Film des Monats 1990)
„LA VOCE DELLA LUNA ist ein Essay über Stille und Lautstärke, über das Verstehen und das Beobachten, über das Reden und das Spre­­chen, über das Verschwinden der Provinz (in Italien und anderswo) und über ihre Unsterblichkeit.” (Georg Seeßlen, epd Film 5/90)
„Nur Fellini konnte daran denken, aus einer Erzählung einen Film zu schöpfen, die mehr aus Worten als aus Handlung besteht.”
(Ermanno Cavazzoni)

Sie wird für eine Woche als Begleiterin von ihm engagiert, sie sieht ihn und schnappt sich ihn. Er, ein stinkreicher Snob, sie eine Bordsteinschwalbe. Das Märchen vom Aschenputtel arbeitet sich ungehindert und direkt in die Herzen aller ZuschauerInnen ein. Aber keine Angst: Es ist nicht wahr.

Lebowski, der sich ‚The Dude‘ nennt, und seine Freunde Walter, ein Vietnamkriegsveteran, und der etwas einfältige Donny hängen herum, spielen Bowling und gehen einander hin und wieder ziemlich auf die Nerven. Dude’s Lieblingsgetränk ist so trübe wie er selbst träge: White Russian – Wodka, Cachaca und Milch auf Eis.
Der Dude kennt keinen Ehrgeiz; Tatendrang ist ihm fremd. Und doch wird er zum unfreiwilligen Protagonisten einer Gangsterstory, die ausgerechnet ihn zum Handeln zwingt.
Der Dude ist nicht „The Big Lebowski”, teilt mit dem Multimillionär aber Vor- und Nachnamen. Das führt natürlich zu Mißverständnissen, und so pinkelt eines Tages ein Geldeintreiber fälschlicherweise auf den Teppich des „trägsten Menschen von L.A.”. Eine leichte Unruhe hält daraufhin Einzug in das stumpfe Abhängen; vor allem, als die Frau des Millionärs entführt wird und der Dude als Kurier bei der Lösegeldübergabe engagiert wird.

Isa und Marie lernen sich in einer schäbigen Kleiderfabrik im nordfranzösischen Lille kennen. Isa fliegt gleich wieder raus, weil sie schiefe Nähte näht und innen mit außen verwechselt; Marie übersteht den Stress nur mit einem Pausen-Joint. Sie lässt Isa bei sich übernachten, und Isa bleibt. Trotz ihrer Gegensätzlichkeit – die optimistische Isa ist eine geborene Überlebenskünstlerin, die skeptische und gegen alles revoltierende Marie zieht sich in ihr Schneckenhaus zurück – stimmt die Chemie. Die beiden freunden sich an und versuchen gemeinsam, das Beste aus ihrer Situation zu machen.

William Blake hat die Reise von Cleveland in ein fernes Grenzgebiet umsonst gemacht, denn der zugesagte Posten in den Metallwerken ist in der Zwischenzeit längst besetzt worden. Blake hat kein Geld für die Rückfahrt – also muss er weiter. Nach einer Liebesnacht mit dem Blumenmädchen Thel, deren Ex-Lover auftaucht und seine Pistole zückt, hat Blake eine Kugel in der Brust und zwei Morde am Hals. Und es kommen noch drei eigens auf ihn angesetzte Killer dazu. Blake ist also – nach allen Regeln der Westernart – ein toter Mann. Für den Gejagten beginnt nun eine lange Reise ins Reich der Schatten.
Jim Jarmuschs Film DEAD MAN ist eine Metapher. Ein Bild und eine Bebilderung für einen Zustand, für den uns normalerweise weder Erfahrungen noch Worte zur Verfügung stehen.

Wir waren irgendwo bei Barstow am Rande der Wüste, als die Drogen zu wirken begannen.“ Mit diesem legendären Satz aus Hunter S. Thompsons gleichnamigem Roman beginnt der Film, und die Handlung folgt im wesentlichen dem – lange als unverfilmbar geltenden – Kultroman aus dem Jahr 1971: Der Sportreporter Raoul Duke (Johnny Depp) ist unterwegs von Los Angeles nach Las Vegas zu einem Motocross-Rennen. Mit dabei hat er den Anwalt Dr. Gonzo und eine Kofferraumladung voller Acid, Kokain, Äther und Budweiser. Die Fahrt der beiden, vollgekifft und totally stoned, wird zum Alptraum: Von Halluzinationen geplagt, wissen sie nicht, ob sie auch denken, was sie reden, und umgekehrt. Als sie einen Anhalter derart verschrecken, daß dieser die Flucht ergreift, schlägt der bad trip in Paranoia um, und die beiden fühlen sich für den Rest des Roadmovies von der Polizei, allen möglichen Beamten und der organisierten Normalität bedroht und verfolgt.
FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS schildert die Bruchlandung einer ganzen Generation: Um 1965 waren die Hippies aufgebrochen, ihre Version des American Dream mit Hilfe von Pop, Drogen und Sex zu verwirklichen. 1971 ist von ihrem Enthusiasmus nicht mehr viel übrig. Idole wie Hendrix und Joplin sind tot, Woodstock und Flower Power sind Geschichte. „Time“ kürt Richard Nixon zum Mann des Jahres, und in Ohio werden vier gegen den Vietnamkrieg demonstrierende Studenten erschossen. Dieser reale Hintergrund des Films wird über Fernsehmonitore eingeblendet, die Fratze von Nixon segelt durch den Raum wie ein böser Geist, den die Love Generation nicht los wird. Der Film ist eine Art Abgesang auf ein Land, das offensichtlich nur noch im Drogenrausch auszuhalten war, aber auch auf eine erstarrte Rebellion. (nach: epd Film 10/98; NZZ 9.12.1998) „Gesichter blähen sich auf und ziehen sich zusammen, Wände stülpen sich nach außen und saugen scheinbar alles auf, das Licht flimmert, die Perspektiven sind verzerrt, die Kamera ist unruhig. (...) Die Darstellung von Panik und Mißtrauen, von Wahnsinn und Psychose ist Terry Gilliam (BRAZIL, 12 MONKEYS) hervorragend gelungen. Der Irrsinn droht von überall, noch vom hintersten Statistengesicht.“ (NZZ 9.12.1998)

„Nicht das, was wahr ist, ist schön, sondern das, was schön ist, ist wahr” – dieser Satz ist Leitmotiv in DAS LEBEN IST SCHÖN. Der Film, der um 1940 vor dem Hintergrund von Faschismus und Antisemitismus in Italien spielt, ist eine Gratwanderung zwischen Horror und absurder Komik, ein hohes Lied auf den jüdischen Humor und auf den unerschütterlichen Glauben an die Schönheit des Lebens, der in der Vergangenheit immer wieder Menschen die Kraft zum Widerstand gab. „Mit seinem humoristisch verfremdeten Ansatz gelingt es Benigni verblüffenderweise, den Greueltaten der Nazis jene Unfassbarkeit zurückzugeben, die sie in konventionelleren Formen von dokumentarischer oder künstlerischer Überlieferung teilweise eingebüßt haben.” (zoom 8/98)

Die Original Blues Brothers und ihre legendären Gigs. Elwood und Jake Blues retten das vom Bankrott bedrohte Waisenhaus, in dem sie aufgewachsen sind. 131 Minuten überdrehte Ausgelassenheit, unbändige Zerstörungswut und Rhythm&Blues.

William Shakespear mit Schreibblockade. Dank der Liason mit einer theaterverrückten Kaufmannstochter kehrt die Schaffenskraft zurück. Endlich die wahre Entstehungsgeschichte des berühmtesten Theaterstücks der Welt!

Begonnen hat alles 1996, als Ry Cooder nach Havanna reiste, um dort mit kubanischen Musikern eine Platte aufzunehmen. Er suchte und fand einige der legendären „Soneros“ der 30er, 40er und 50er Jahre. Unter ihnen Ibrahim Ferrer, Rubén González, Eliades Ochoa, Omara Portuondo und Compay Segundo. Zusammen bilden sie ein einmaliges Musikprojekt: BUENA VISTA SOCIAL CLUB.

Das Taxi als Versuchslabor: fünf Städte (Los Angeles, New York, Paris, Rom, Helsinki), fünf nächtliche Taxifahrten, fünf Mal die selbe Ausgangssituation, die sich gleichzeitig in verschiedenen Zeitzonen, Kontinenten und Sprachen abspielt. In seiner lakonischen Inszenierung verdichtet Jim Jarmusch die zufälligen und kurzfristigen Begegnungen zwischen Fahrer und Fahrgast zu heiteren, skurrilen, manchmal auch tragischen Miniaturen.

Blutrote Lippen auf schwarzer Leinwand, laszive Bewegungen der Zunge und dann der Moment, auf den alle im Publikum schon seit der Premiere des Films im Jahre 1975 warten: der erste Song, „Sience Fiction/Double Feature”.
THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW ist eine Hommage an die amerikanischen B-Pictures, die in den „late-night double features”, den späten Nachtvorstellungen, im Doppelpack gezeigt wurden. Angefangen hat das Ganze mit einem Theaterstück von Richard O’Brien, das 1973 in einem kleinen Londoner Theater uraufgeführt wurde. Bald wurde ein Vertrag mit 20th Century Fox abgeschlossen und der Film trat nach einem anfänglichen Misserfolg seinen bis heute andauernden Höhenflug durch die Kinos der Welt an. Im Londoner Prince Charles Kino spielt der Film bis heute jeden Freitag um Mitternacht, wobei ein immer wiederkehrendes und mit Reis, Zeitungspapier und Wasserpistolen ausgestattetes Publikum die Protagonisten auf der Leinwand an bestimmten Stellen tatkräftig unterstützt und ihnen bei der Darbietung der Lieder hilf-, und stimmreich zur Hand geht.
Erzählt wird die Geschichte von Brad und Janet, einem frisch verheirateten, durch und durch anständigen Paar, das auf Grund einer Autopanne in strömendem Regen Zuflucht und Hilfe bei einem am Weg liegenden gotisch-gespenstischen Haus sucht. Die eben gerade dort stattfindende Jahrestagung der Transsilvanischen Gesellschaft verkompliziert die Dinge merklich und lässt Brad und Janet die bizarre Welt von Frank-N-Furter, dem schillernden Oberhaupt der Vereinigung, kennenlernen. Ein denkwürdiger Lernprozess beginnt.
THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW ist eine groteske Parodie, ein Klassiker des Siebziger-Jahre-Pop, der nicht nur die Grenzen zwischen Kunst und Kitsch, sondern auch die zwischen Leinwand und Publikum spielerisch aufhebt. Und so heißt es auch im Epilog: „DON’T DREAM IT, BE IT!”

Perhan, ein junger Roma, verständigt sich mit Truthähnen und bewegt Büchsen oder Besteck mit Gedankenkraft. Er wird von seiner Großmutter nach strengen moralischen Grundsätzen großgezogen. Um, wie sein väterlicher Freund Ahmed zu Reichtum zu gelangen, bricht er nach Itailien auf. Desillusioniert aber kehrt er wieder zurück: „Seit ich zu lügen begonnen habe, glaube ich keinem Menschen mehr.”
Eine poetische Fabel über Menschen, in der die Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit verschwimmen. Kusturica selbst bezeichnete TIME OF THE GYPSIES als eine Antwort auf die Literatur des magischen Realismus.

Knapp vor der Jahrtausendwende: Das totale Medium ist nicht etwa das WWW, sondern SQUID. Mit ihm lassen sich jegliche Wahrnehmungen und Empfindungen aufzeichnen und sind für jeden abrufbar. Lenny, Ex-Cop und nun Clip-Dealer von SQUID´s, verhökert diese zum guten Preis – mit einer Ausnahme: von „Blackjacks” (Snuff-Clips), deren Träger beim Aufzeichnen starben. Doch wird er in zweierlei böse Geschichten verwickelt: Jemand spielt ihm einen Blackjack von der Vergewaltigung und Ermordung seiner Bekannten Iris zu, und zudem sind zwei Cops hinter einem ominösen Clip her und ermorden alle, die ihnen im Weg stehen.
„Das klaustrophobische Endzeitklima von STRANGE DAYS wirkt in punkto Kameraführung, Schnitt und production design ähnlich beklemmend und zermürbend wie BLADE RUNNER.” (Zoom 2/96).

Seit vielen Jahren lebt Martín als gefragter Drehbuchautor in Madrid. Seine junge Partnerin Alicia schnupft sich mit Kokain über die Unnahbarkeit des Freundes hinweg, der sich gerne hinter seiner Arbeit verschanzt. Bewegung kommt ins Spiel, als Martín seinen Sohn zu sich holt. Martín junior, den alle nur Hache (H = hijo, Sohn) nennen, lehnt sich gegen das festgefahrene Denken und gegen die Doppelmoral seines Vaters auf.
„MARTIN HACHE ist ein Männerfilm, in dem die Frau eine wichtige Rolle spielt. Doch von der Freundschaft der Männer erzählt er im Stile Hustons, ja, ich würde fast sagen, es ist eine Freundschaft zwischen Cowboys.” (Cecilia Roth/Alicia)

Überwältigendes Kino, dessen größte Augenblicke zwischen den wunderbar sinnlichen Bildern liegen. Seit LAWRENCE OF ARABIA ist die Wüste nicht mehr so schön gewesen.

Basil hat auf Kreta ein Stück Land mit einem verlassenen Braunkohlebergwerk geerbt, mit dem er nun sein Glück versuchen will. Bei der Anreise trifft er auf Sorbas, der ihm Hilfe anbietet bei seiner Unternehmung. Doch das Bergwerk ist nicht mehr abbaufähig, ebenso schlägt der Versuch, eine Seilbahn zur Förderung von Baumstämmen zu errichten, fehl. Statt darüber zu trauern, lehrt Sorbas Basil „seinen”“ Tanz, den Sirtaki.
Ursprünglich tanzten den Sirtaki die Metzger von Byzanz. Dieser Tanz gewann in der Schlusssequenz von ZORBA THE GREEK dramatische Symbolkraft. Auch heute noch atmet die vom Klang der Buzuki geprägte „Alexis-Sorbas”-Musik die Frische der Authentizität.

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